XX音乐赏析论文300字

华沙的浪漫主义钢琴诗人—肖邦

肖邦一直都是我很崇拜的音乐家，但事实上，崇拜并不代表我喜欢他，记得小时候每次老师一留肖邦的曲子我头就大了，总觉得他的曲子都特别难演奏，那时感觉枯燥乏味到气急败坏的我甚至还给他起过无数个外号。但是随着慢慢长大，了解到他的身世以及作曲背景以后，我对他的看法渐渐有了转变。

最让我感动的莫过于他的家国情怀。“生于华沙，灵魂属于波兰，才华属于世界。”今天看来，这依然是对肖邦中肯的评价。肖邦已然成了波兰的象征和国家的名片，其所承载的意义远远超越了音乐、钢琴的范畴。

1830年，法国七月革命爆发，欧洲大地的革命风雷潮起云涌。波兰爱国青年秘密集结，不顾反动当局的逮捕、镇压，积极酝酿着新的起义，革命一触即发。见此情形，亲朋好友不忍才华横溢的肖邦卷入充满危险的洪流，纷纷劝他赴国外演出，以乐曲为武器报效祖国。 离开还是留下？这成了一个问题。几经权衡后，为了去音乐之都维也纳进一步深造，怀着“风萧萧兮易水寒，壮士一去兮不复还”的悲愤之情，肖邦最终选择了与生活20年的祖国别离。

到达维也纳不到一个月，华沙起义爆发了。肖邦得知起义的消息后，心情非常激动。他恨不得马上起程回国。华沙起义一度赶跑了俄国侵略军，建立了波兰自己的政权，整个欧洲为之震动。由于波兰大贵族的背叛，坚持了十个月的华沙革命最终被沙俄军队反扑所扼杀，华沙再遭沦陷。

当时正前往巴黎途中的肖邦，听到了华沙陷落的消息，悲痛欲绝，但他迅速将自己的一腔悲愤化成了音符的雷鸣，为此写下了著名的《革命练习曲》。

《革命练习曲》是热烈的快板，4/4 拍，c小调。练习曲从不协调的、强有力的属七和弦开始，引出一连串汹涌澎湃的十六分音符，上下翻滚，十分突出，给人的印象十分强烈。犹如同仇敌忾的狂涛，奏出热血沸腾的音调，它好像是肖邦内心感情的大爆发，接着左右手同时并进，两道激流，奔腾不羁，犹如千军万马、浩浩荡荡。钢琴在高音区奏出明亮有力的音符，似冲锋陷阵的号角，激昂有力，这种起伏的旋律感情，把乐曲一次次推向高潮，向人们展现一幅波兰人民英勇斗争，前仆后继，血染大地的生动画面。它仿佛是愤怒中的抗争，痛苦中的挣扎。这个主题是一个从愤怒的和弦紧接着是失望的下行音阶，虽说第一个强有力的和弦代表作曲家以满腔热血的革命精神勾勒出一幅华沙起义轰轰烈烈、如火如荼的场面，但随之而来的下行旋律告诉我们，斗争并未取得最后的胜利，相反，而是令人失望。特别是曲首冠音，气息悠长的旋律具有诉说、叹息的情绪。就像浪漫主义诗人的朗诵，也相当于语言文字中的感叹句，给人强烈的艺术感染。音乐在感情激烈的动荡之后，出现了一段悲愁、哀痛的曲调，像是对牺牲者的哀悼，又好似对祖国前途命运的忧虑。在一系列的转调和变化音的推进下，音乐盘旋发展，这是一个凯旋的形象，它是对华沙起义爆发一瞬间的美好回忆。乐曲的最后是第一段的再现，从c小调起又经多种转调，最后回到c小调而终了，恢复到自豪、刚毅的形象，左右手八度齐奏，气势逼人，势不可挡。最后，在四个ff也就是非常强力度的和弦的进行下，奏出了主和弦，不但使肖邦的激情和愤怒达到了极点，同时也体现了肖邦对民族解放的坚定信念。一曲终了，我的心情却久久不能平静。

《革命》是给我留下最深印象，也是我喜欢的唯一的一首练习曲。

后记：也许是从小学琴的缘故，对于古典音乐，我总有一种特殊的感情。它不像摇滚那么震撼，少了点蓝调的忧伤，也没有爵士乐的诙谐，它就像一杯红酒，只有慢慢品味才能体会出它的香醇。有人说，对古典音乐的热爱是一种高贵而纯粹的感情，它沉淀于每个爱乐人的内心深处，向深海里的珍珠般熠熠生辉。是音乐给了我们力量，是音乐引领我们走出洪荒，感谢音乐！

浅谈巴洛克时期与古典主义时期

内容摘要：文章浅谈了西方音乐中巴洛克时期和古典主义时期中的一些对比以及各时期出现的代表音乐家

关键字：巴洛克时期 古典主义时期 音乐家

欧洲音乐史中的17世纪初叶至18世纪中叶的这段时期被称为“巴洛克时期”。更准确的说是始于1600年而结束于巴赫逝世的1750年。这是欧洲音乐发展史中的第一个伟大时期。 “巴洛克”源于葡萄牙语“barroco” 一词。它含有两层意思：一是“不规则的珍珠”；二是“荒谬的思想”。显然，用这一词语来概括1600—1750年这一段时期的音乐风格特点是带有贬义的。当时人们确实认为“巴洛克”的音乐是“怪异”、“夸张”甚至是“畸形”的，但是随着时间的推移与人们认识水平的提高，人们逐渐理解并接受了这一时期音乐的艺术风格，“巴洛克”一词也渐渐失去了它原有的贬义，而成为专门指代这一时期音乐风格特点的专有名词了。

巴洛克时期是欧洲音乐迅速发展的时期，许多重要的声乐、器乐以及综合的音乐体裁如歌剧（包括正歌剧、喜歌剧）、大型声乐套曲（包括清唱剧、康塔塔、受难曲）、协奏曲（包括大协奏曲和独奏协奏曲）、奏鸣曲（包括教堂奏鸣曲和室内奏鸣曲及独奏奏鸣曲）等 作曲家代表：巴赫、维瓦尔第。

巴赫建立起了经典的音乐根基，把巴洛克音乐发展到了巅峰。他是音乐中的牛顿。无论以后音乐如何发展，就算再来一个音乐中的爱因斯坦颠覆了十二平均律，还是没有人能超越他。听拉赫玛尼诺夫的第二钢琴协奏曲，你会深陷于沉默的悲哀；听贝多芬的“悲怆”，你会激奋而不能自拔；听布鲁赫的第一小提琴协奏曲，你会不自禁地感到甜蜜安详。但是听巴赫，无论是平均律、布兰登堡协奏曲、哥德堡变奏曲还是无伴奏大、小提琴奏鸣曲，你都不会被强加任何感情，也没有评论敢确切地说出什么旋律应该代表什么样的心情。这就是浪漫派音乐比巴洛克音乐浅薄的地方！！

巴赫的作品中决没有过分的感情流露。它采用的是宗教对美的认识，摈除了额外的热情，仅剩下理性的思考和庄严的情感。纯净的巴赫风格拒绝诗意化解释，是仅从感觉出发无法把握的。它引人进入一个严肃冷峻，却又极具生命活力的数学般的线条世界。在这精确、简练的对位世界中，在各声部的和谐关系与均衡发展中，我们聆听到纯粹的音乐。

你可以快乐着你的快乐，悲伤着你的悲伤，巴赫的音乐给你一个广阔的空间。在那个空间你是你，最初的、真实的、自然的你，而不是作曲家情绪的跑马场。都说巴赫代表巴洛克音乐的巅峰，我把这种情感上的纯净与无私算作巴洛克音乐最感动我的风格之一。

正如有人所说：当你真正被巴洛克音乐的简洁、对称和流动所打动时，你一定会对十九世纪以后的音乐越来越不耐烦。你一定会觉得浪漫派以后(含浪漫派)的音乐是那么地累赘、滥情、浮夸、炫技、做作，你一定会对人类文明到底是在进化还是在退步这个问题有更深一层的认识。韩愈说文不读三代以下，也许也要乐不听贝多芬以后吧。

不要去听现代派的喧嚣，我们将停留在这一片巴洛克的净土上，这里一切都非常纯粹，非常美好。

在欧洲音乐发展史中，从巴洛克时期结束到19世纪20年代这一阶段就是我们所说的古典主义时期了。

古典主义音乐与巴洛克音乐相较而言，古典主义追求的是一种基于理性基础之上的对称美，而非巴洛克时期的非对称；巴洛克音乐更注重表现宗教题材而古典主义音乐则偏向于用

音乐来表现重大社会题材以及新兴市民阶层的生活风貌；巴洛克时期的器乐和声乐还未完全分离，而到了古典主义时期，器乐已经完全独立，成为音乐艺术中的一个独立分之；巴洛克时期复调音乐有了很大发展，而进入古典主义时期，音乐却进入了从复调织体向主调织体转变的过程；另外，古典主义较之巴洛克音乐而言，其对器乐色彩的变化要求也越来越强烈了。 此时期中，德国出现曼海姆乐派，为古典交响乐的发展做出了很大贡献，他们首先确立了交响乐四个乐章的结构形式，同时对管弦乐队的表现力及表现手法也有一定的创新。他们的这些成就为其后出现的维也纳古典乐派奠定了基础。此外，法国的指挥家、作曲家戈塞克以及法国歌剧作家格鲁克在音乐艺术中的实践活动也为古典主义时期音乐的发展起了很大的推动作用。

接下来要提到的就是以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的在古典主义时期具有最高艺术成就的“维也纳古典乐派”了。维也纳古典乐派的创作年代正值欧洲“思想启蒙”运动时期。思想启蒙运动提倡理性、科学、经验、个性解放、权利均等、反对神权、封建特权及封建等级制度。这些进步的思想对三位作曲家的创作产生了积极影响。此外，18世纪法国资产阶级革命还给贝多芬的思想和创作带来了深刻的转变。

古典主义音乐承继著巴洛克音乐的发展，是欧洲音乐史上的一种音乐风格或者一个时代。这个时代出现了多乐章的交响曲、独奏协奏曲、弦乐四重奏、多乐章奏鸣曲等等体裁。而奏鸣曲式和轮旋曲式成为古典时期和浪漫时期最常见的曲式，影响之深远直至二十世纪。乐团编制比巴洛克时期增大，乐团由指挥带领逐渐变成一种常规。现代钢琴在古典时期出现，逐渐取代了大键琴的地位。

随着法国大革命对社会造成的冲击，作曲家的生计也受到影响，由最初依赖宫廷、教会供养转变为独立的经营者。古典主义时期音乐的特点： 这个时期被历史学家和美术学家推崇为“古典”，在音乐领域，古典的风格表现在艺术上崇尚理性，音乐语言朴素精练，以严谨和谐的形式表达淳朴真挚的感情。这一时期堪称欧洲音乐史上辉煌成就，同时也影响着世界各国音乐的发展。节奏感强，也就是说它具有清晰明了的风格，是人精神振奋；旋律紧凑，不同于浪漫主义时期的是，其段落以及乐句的衔也是联系紧密的，不像后来的那样分合不一，虽然我也赞同及热爱浪漫主义时期的音乐，但这种合辙押韵的感觉还是动人的；情感朴素，后来的音乐确实有点粗制滥造，精品少了。另外，含蓄严谨也只一大原因。而且，古典主义时期正是世界大变革的时期，资本主义制度正在完善与强大， __正在酝酿，艺术正随着人们思想的改变而改变，各种 __正在革命，音乐作为艺术中最为抽象的一种，它也在这段时间之内得到演化。

海顿和莫扎特的大部分键盘作品被认为是为钢琴而非羽管键琴而写的。虽然当时的钢琴声音音质比现代钢琴更加轻薄，但它的延音踏板以及强弱方面细微的变化对古典风格的形成是必不可少的因素。

在约瑟夫·海顿（1732—1809）的整个音乐创作中，键盘作品并不是他创作的主体。海顿把主要精力放在了交响乐及弦乐四重奏的创作上。但不管怎么说，海顿却预示着莫扎特风格的成熟。海顿的钢琴作品初听时并不像莫扎特作品那样迷人，反而有些冗长、粗暴，有时甚至有些野性。莫扎特钢琴作品中的声音因素在海顿作品中几乎找不到。海顿不十分关心钢琴上的歌唱性，而是更致力于纯正的表情。他的钢琴作品中有一种朴实的热情，并有着无比的幽默感。他并不热衷于炫技。和莫扎特相比，莫扎特用很多的“Aallegro”，而海顿更愿意选择“allegro moderato”，甚至“moderato”。

莫扎特（1756—1791），一位坠入人间的音乐精灵。他的精巧、典雅、纯净、澄澈，在欢乐中隐含淡淡哀愁的钢琴音乐，使他在钢琴艺术发展史上独树一帜。他的形式感和对称感似乎与生俱来，而且那种适度的均衡与他直觉和灵感的技艺紧密结合在一起。他的钢琴作品很少追求激情表现或炫技因素，而是忠实于更为亲切和家庭式的奏鸣曲。除去个别较简

易的乐曲外，莫扎特的作品几乎无难易可言，每一首都需要极透明的音质、典雅的情趣、准确的分寸、严密的控制、敏感的指触、均匀的走动等，因而都很难演奏得天衣无缝、完美无缺。

我们知道，一切艺术风格的把握，都离不开对其形式要素的考察。因此，通过以上对海顿、莫扎特的了解，我们可以粗略地把握一些古典主义风格的要素。

结束语：短暂的西方音乐鉴赏课并没有让我提升到新的境界，却因为写这篇论文让我从别人那里学到了很多关于这两个时期之中以前所部知道的细节。在此同时，也感谢老师为我们所做的经常授课，确实‘不枉此行’，很经常，也受益匪浅

大提琴的“旧约圣经”

——浅析《巴赫大提琴六首无伴奏组曲》

【摘 要】“音乐之父”巴赫的六组无伴奏大提琴组曲是其为数众多的作品中最具“元素”性质的巨作之一，在音乐结构、艺术魅力和思想深度上堪称举世无双，自从1901年被帕布洛·卡萨尔斯发掘以来，被称作大提琴的“旧约圣经”，更被誉为演奏家技巧与修养的试金石，成为了巴洛克时期的音乐代表，它将大提琴的演奏提升到了一个真正的舞台。从这个年代来赏析巴赫大提琴六首无伴奏组曲，我们可以体会到大提琴演奏的独特而典雅的艺术魅力，体会到巴赫通过大提琴来表达一种对美好的事物永无止境的追求。

【关键词】大提琴；巴赫；无伴奏；浅析

1 创作背景

在巴赫那个时代，小提琴独奏曲早已出世了，但大提琴还没有成为一种独立的乐器，只在乐队中起辅助的低音作用。当时，巴赫听了著名的大提琴家百贝乐的精彩演奏后，激发了灵感，创作了六首大提琴无伴奏组曲。这虽然不是欧洲第一部大提琴独奏曲，但在德国却是第一次出现。从此大提琴曲不断问世，以至大提琴协奏曲与小提琴协奏曲达到并驾齐驱的地位。巴赫的六首大提琴组曲，在大提琴发展史上是有重要意义的。

2 作品介绍

巴赫的六首无伴奏大提琴组曲分别是G大调、d小调、C大调、降E大调、c小调、D大调，每一首组曲由六段舞曲组成，除了依照“阿勒曼德舞曲-库兰特舞曲-萨拉班德舞曲-小步舞曲-吉格舞曲”的标准组合模式外，最前面都加上前奏曲，此外在每首组曲的第五段上它也略加变化。

第一号组曲——G大调的“明亮”

巴赫的G大调大提琴前奏，其流畅的旋律类型如同人天生而单纯的呼吸的机构，一开始便逐渐增强，明快而跳跃，如同吸气般。巴赫概念中的美丽与辉煌就

在于此——实际上这些前奏曲都不利用旋律，在那里只有组织、结构与韵律、形式与色彩的鲜明。巴赫从不拘束于弹奏的形式，在他的世界里，音乐本来就是浑然天成似的。最后，旋律缓慢的结束，就如同呼气般渐渐的平缓下来。 第二号组曲——d小调的“悲伤而强烈”

这个组曲有一个很棒的萨拉邦德舞曲，也许正因为这个舞曲，使这个组曲成为了所有组曲中最哀伤的。大提琴以其深奥的低音，给人带来了强烈的小调性的悲伤，使人沉浸在其中。这个前奏中开场三个音符的使用，便将大提琴演奏得让人充满敬畏与赞叹，正是这三个音符便构成d小调的完整色调，同时完成了一个五度音程。

第三号组曲——C大调“辉煌”

C大调是灿烂的：一个辉煌的调子，它作为基础的音调，所有乐章都从C大调开始与结束。C大调活泼而阳光，如同夏日的天空，时而艳阳时而阴雨，变幻莫测，让人不禁想随着乐章翩翩起舞。大提琴的低沉中又带有些许的跳跃，又像是恋爱一样，忽近忽远，使人追随，又不知如何追随。其中所用的持续音是巴赫创作的一个重要方面，有时当巴赫开始环绕持续音的音型，让人似乎正在备受煎熬中。

第四号组曲——降E大调“庄严而不透明”

第四号组曲中洋溢着萨拉班德舞曲的庄严，似乎使空气也凝固了，它有着自己的伴奏旋律。而吉格舞曲，它猛烈、高难度，带着它烈火般的暴躁气质与坚定、不屈不挠的节奏。在以降Ｅ大调中，巴赫以八分音符来进行大提琴的演奏，节拍的缓慢似乎使大提琴变得更加庄严了。这演奏不仅仅是视听上的享受，更是心灵的享受，音乐里弥漫着一种难以名状的悲伤，但又悲而不伤，它又不失古典音乐的高贵和隽永，同时夹带着坚定的信仰和浪漫情怀。

第五号组曲——c小调“黑暗”

巴赫的第五组曲虽然只有短短的几行，但这浓缩便是巴赫的精华所在，c小调那流动的乐章，似乎是在黑暗中行走，无止境的一路蔓延，随着旋律的继续而继续。低沉响亮的音律充分表现出了大提琴的浑厚丰满，它展现出了大提琴除了

发音华丽、音色朦胧外的又一大特点，当你结束这首萨拉班德，时间似乎以同样的步调继续着，你的呼吸在同样的节奏中继续着，那旋律一直围绕在你的耳旁。 第六号组曲——D大调“阳光”

第六号组曲的Ｄ大调写成，向我们展现了大提琴阳光与凯旋的一面。那跳动而活跃的气氛这是所有调性中最喜悦的，它以胜利、喜悦、人类的统一、友谊与爱的调性写成，这个最后的组曲扬威于全系列之上。它代表大规模的欢乐的统合。第六号组曲就像是大提琴独奏的交响曲，在调性与色彩上，它迥异于其他组曲，但在许多其他的方面，它同时也迥异于巴赫所有的作品。

3 结论

玛格丽特·坎贝尔曾在《不朽的大提琴家》一书的引言中提到：“在从事研究的过程中，我所得到最重要的结论就是，巴赫的六首无伴奏组曲是每一位大提琴家所追求的目标。它们是演奏曲目的基石，许多人都承认他们可以花上一生的时间来学习并演奏这些组曲。” [1]的确，自从卡萨尔斯的演奏与录音将这六首组曲复兴后，便成为了每位大提琴家都试图攀登的顶峰。

大提琴的音色在弦乐组是突出的，它具有丰满宽厚、富于情感的音质，使人倍感亲切。而大提琴独奏是一种具有特殊效果又不宜多用的手法，能将大提琴演奏好并且给人带来无尽的享受是多么不容易。这六组组曲不仅在大提琴演奏历史上具有重大的意义，而且让我们透过这个天才的音乐，体验到了无限的喜悦，正如那遥远的教堂钟声，很近又很远。

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[1]玛格丽特·坎贝尔．1996．《不朽的大提琴家》[M].张世祥译．台湾．世界文物出版社

（指导老师：）

内容仅供参考